El lugar sin límites. Revista de Estudios y Políticas de Género

Cine y feminismos: ensayos críticos y lenguas desatadas

2025-11-17T18:24:09+00:00

Desde la revista El lugar sin límites hicimos una convocatoria abierta para recibir propuestas que exploren las relaciones entre el cine y las artes audiovisuales con los Estudios de Género y los Estudios queers. El resultado es un dossier integrado por artículos y reseñas que indagan las relaciones entre género, política y mirada, entre la teoría y el cine. Estos diversos lugares de enunciación proponen teorías fílmicas feministas que evidencian la importancia de realizar ejercicios agudos sobre lo visible y lo audible. Los procesos simbólicos que realizan los filmes se traducen en palabras para señalar en ellos no “lo evidente”, sino “lo que siempre estuvo ahí” y recién ahora puede “ser visto” y “escuchado”. Ante las preguntas: ¿Qué películas merecen ser rescatadas de la omisión de los imaginarios patriarcales? ¿Cómo se construyen la mirada, los espacios y los cuerpos sexuados en el cine realizado por mujeres y disidencias? ¿Qué tipo de imágenes, voces y temporalidades proponen las filmografías que pugnan por una revolución feminista? Estos textos elijen caminos distintos y, desde el ejercicio crítico que implica la perspectiva feminista, dan curso a diversas interpelaciones y reflexiones sobre las películas.

Historia de una mujer sola: sobre la figura de la “polaca” en El camino del sur (1988) de Juan Bautista Stagnaro

2025-11-17T19:06:21+00:00

El camino del sur (1988) fue el primer largometraje en solitario de Juan Bautista Stagnaro y la única coproducción argentino-yugoslava. Este artículo estudia la mutación de la "polaca" como figura típica del imaginario argentino del siglo XX en este film. En dirección a ello, primero ubica la película dentro del corpus de films de la "post-dictadura" argentina, del que forma parte como una obra tardía; allí destaca dentro del repertorio de nuevas historias y nuevos personajes "judíos" en el cine nacional. Luego, recorre los pormenores de la concepción, producción y realización de la película, situándola a distancia del "origen" de esta figura en las crónicas de la década de 1920 y 1930, y de su "regreso" en el ciclo del policial criollo en la década de 1970. Seguidamente, analiza el modo en que, al mudar a la protagonista -Jana, interpretada por la actriz Mirjana Jokovic- de la esperable figura de la "polaca", Stagnaro la reinscribe en la historia, reescribiendo su lugar en ella: en la historia de las migrantes, la historia del mundo del trabajo y la historia, por último, de las mujeres judías en la Argentina. Por último, nos detenemos en la "historia del pelo" como indicio de esa reinscripción, como forma plena de su mutación, de "polaca" a trabajadora fabril.

El deseo y lo excéntrico en el cine de María Luisa Bemberg y Anahí Berneri

2025-11-17T18:24:09+00:00

El siguiente artículo propone relacionar los trabajos de las realizadoras María Luisa Bemberg y Anahí Berneri. Ambas directoras ruedan sus trabajos en contextos socioculturales disímiles, por un lado, Bemberg abre la década de 1980 del cine nacional con la producción de narrativas feministas. Su reconocimiento como directora hace visible la participación de las mujeres en roles masculinizados hasta ese momento. Por otro lado, Anahí Berneri pertenece a la nueva generación de cineastas que a fines de la década de 1990 gestaron una nueva estética audiovisual conocida como Nuevo Cine Argentino. Este cambio fue acompañado por una creciente participación de mujeres detrás de la cámara gracias a la reciente formación académica en el rubro audiovisual. Las películas seleccionadas para nuestro análisis serán, por un lado, la última producción de María Luisa Bemberg De eso no se habla (1990) y la ópera prima de Anahí Berneri Un año sin amor (2004). Las dos películas recorren los bordes del relato cinematográfico clásico sobre la corporalidad, el deseo y la sexualidad. Nuestro análisis observará en estos textos fílmicos las figuras de lo excéntrico y el deseo, poniendo en relación las historias de sus protagonistas, Pablo un escritor portador de HIV y Carlota una mujer enana.

“Adiós, Roberto…”: constelaciones de lo tolerable y lo utópico en el cine homosexual de la postdictadura

2025-11-17T18:24:10+00:00

El artículo analiza la película Adiós, Roberto… (1985), primer filme argentino en centrar su trama en una historia de amor entre dos hombres. A partir del concepto de "constelación" de la Teoría Crítica, se examina cómo la cinta explora los límites de lo tolerable en la Argentina postdictatorial. El trabajo estudia la representación de la homosexualidad a través de tres ejes: el contexto político de la transición democrática, la oposición entre espacio público y privado, y la simbología de la vestimenta. Se argumenta que, si bien la película visibiliza la homofobia y el deseo homosexual, lo hace dentro de los marcos heteronormativos de la época, reflejando un horizonte utópico limitado. El final abierto sintetiza esta tensión entre el mandato social y la posibilidad de ser, sin llegar a imaginar una familia homoparental. La película se lee así como un síntoma de su tiempo: un gesto valioso pero condicionado por los discursos de poder que patologizaban y estigmatizaban las identidades disidentes.

O Livro dos Prazeres: o existencialismo de Clarice Lispector e a experimentação cinematográfica de Marcela Lordy

2025-11-17T19:08:36+00:00

Este artículo presenta un análisis de la película El Libro de los Placeres (Marcela Lordy, 2020), una adaptación del libro de Clarice Lispector, Una Aprendizaje o el Libro de los Placeres (1969), con el objetivo de evidenciar aspectos de la producción literaria de la escritora y aquellos relacionados con los procesos de creación de la cineasta. Se demuestra cómo la película presenta una representación de la mujer que confronta el modelo patriarcal difundido durante años por el star system. La película en cuestión representa una de las vertientes de las producciones cinematográficas de las directoras brasileñas.

Divas góticas: pose y desbordes en La sustancia (2024)

2025-11-17T18:24:10+00:00

El ensayo propone una lectura de La sustancia (2024), de Coralie Fargeat, a partir de dos tópicos centrales de la tradición gótica: la reclusión y el doble. Esta perspectiva resulta especialmente fecunda para abordar el film, en tanto pone en escena la figura de la diva en decadencia, construida como un sujeto liminal. Esta representación dialoga con ciertas películas hollywoodenses que han tematizado el envejecimiento femenino en clave de terror, aunque se distingue por una pretensión de elegancia que la inscribe como un personaje anacrónico. A través de un análisis visual de la película, se indaga en los modos en que la diva, entendida como subjetividad escindida, se sostiene en una pose que guarda una potencia de no asimilación, capaz de desestabilizar las jerarquías sobre las que se organiza el tiempo histórico.

“No trates de entenderla". Representaciones de la masculinidad hegemónica en dos comedias cinematográficas de Adrián Suar.

2025-11-17T18:24:10+00:00

Este articulo analiza las películas “Mazel Tov” de 2025 dirigida y protagonizada por Adrián Suar y “El futbol o yo” de 2017 dirigida por Marcos Carnevale y protagonizada también por Adrián Suar, para rastrear el modelo de masculinidad hegemónica presente en ambos filmes y considerar los elementos que jerarquizan a alguno(s) varón(es) como hegemónico(s). Se plantea que hay uno o varios personajes que van a representar un ideal de masculinidad hegemónica que le permitirá al público (en un principio al público que se identifique como varón cis) posicionar su “ideal del yo”.

Romper el silencio: clóset, memoria y reivindicación poética en "Cuchillo de palo" (2010) y "El silencio es un cuerpo que cae" (2017)

2025-11-17T19:09:09+00:00

El artículo analiza los documentales 108 Cuchillo de palo (Renate Costa, 2010) y El silencio es un cuerpo que cae (Agustina Comedi, 2017), en los que dos directoras rescatan la homosexualidad oculta de su tío y padre, respectivamente, tras su muerte. Mediante archivos familiares, entrevistas y presencia/ausencia corporal, realizan una “arqueología del silencio” (Foucault) que politiza el ocultamiento en contextos dictatoriales (Paraguay, Stroessner) y posdictatoriales (Argentina, Córdoba). Se puede concluir que revelar post-mortem no es violencia, sino reparación simbólica: restituyen el “derecho a aparecer” (Butler), transforman el estigma en orgullo y convierten el duelo en memoria colectiva liberadora.

The article examines the documentaries 108 Cuchillo de palo (Renate Costa, 2010) and El silencio es un cuerpo que cae (Agustina Comedi, 2017), in which two directors unearth their uncle’s and father’s hidden homosexuality after death. Using family archives, interviews, and bodily presence/absence, they perform an “archaeology of silence” (Foucault) politicizing concealment in dictatorial (Paraguay, Stroessner) and post-dictatorial (Argentina, Córdoba) contexts. It can be concluded that post-mortem disclosure is not violence, but rather a symbolic reparation: restoring the “right to appear” (Butler), turning stigma into pride, and transforming grief into a liberating collective memory.

Rápido y furiosas: cine queer argentino en movimiento (2010-2020)

2025-11-17T18:24:10+00:00

El interés de este trabajo se centra en tres películas producidas en la última década (2010-2020), dentro de la acepción entendida aquí para lo queer, y que comparte la categoría de road movies. Películas abordadas desde un enfoque geográfico que permita iluminar el lazo que une a lxs protagonistas con los lugares y paisajes específicos que habitan o transitan. Para poder pensar de modo teórico, las particularidades de esos vínculos en dichos entornos y las posibilidades que estos brindan para las vivencias libres de las sexualidades de sus personajes (o no), tanto en un espacio ficticio como real a la vez.

Cuir por donde se lo mire: el cine de Goyo Anchou

2025-11-17T19:11:19+00:00

En este artículo se analizan los cuatro largometrajes de ficción del director argentino de cine guerrilla Goyo Anchou: Safo (2003), Heterofobia (2015), El triunfo de Sodoma (2020) y ¡Homofobia! (2024) y se argumenta que su filmografía es un claro ejemplo de cine cuir. Con este propósito, se realiza un recorrido teórico por las distintas acepciones y teorizaciones del término cuir/queer y la consiguiente indagación en el cine cuir.

Se propone que, si bien entre les teóriques existen pocos acuerdos sobre qué características se le pueden atribuir a este tipo de cine, distintos aspectos (como incluir personajes sexogenerico-disidentes, haber sido filmadas por realizadores cuir, demostrar una negativa a la asimilación a los regímenes hegemónicos) pueden acercar más o menos una película a un ideal de cine cuir. En este sentido, se asevera que la filmografía de Anchou cumple con virtualmente todos los requisitos para llegar a tal ideal.

Se mencionan, por otra parte, las bases del cine guerrilla en su corriente latinoamericanista, con la figura de Fernando Birri a la cabeza, como influencias en la filmografía de Anchou; ideas que interaccionan con el cine cuir y nutren su potencial transformador.

The Trope of the Dogs: Queer Phantasmagoric Realism in Memoria (2021, Apichatpong Weerasethakul)

2025-11-17T19:09:43+00:00

The film Memoria (2021) is Apichatpong Weerasethakul’s first work filmed outside of Thailand, in Colombia. The narrative follows Jessica (Tilda Swinton), a woman with a syndrome that leads to insomnia and gradual forgetting. The film explores themes of memory, forgetting, and the relationship between the past and the future. The work is analyzed through the perspective of ‘queer phantasmagoric realism,’ a concept that combines elements of realism and fantastic to address political and social issues. The presence of a spaceship in the Colombian jungle is an example of this, symbolizing an immemorial past and an uncertain future. The text also highlights Tilda Swinton’s performance, whose queer gestuality and characterization is central to the movie. The analysis addresses the complexity of constructing reality in the film, inspired by André Bazin’s aesthetics, and how Apichatpong Weerasethakul uses art to question binaries and explore themes such as gender, sexuality, and memory. The trope of dogs in the narrative is also explored, relating it to ‘spectral realism’ in contemporary Latin American literature.

El pasaje de la categoría travesti a mujer trans: disputas de sentido en torno a la historia reciente argentina

2025-11-18T12:37:26+00:00

El siguiente artículo analiza los usos y connotaciones de las categorías travesti y mujer trans que las protagonistas le dan a la hora de autopercibirse y nombrarse ante el entorno social en Argentina. El trabajo propuesto parte de diferentes técnicas metodológicas de recolección de información: revisión de material gráfico y documental audiovisual donde se plasman los testimonios de diferentes activistas y referentes travestis y trans, como así también, transcripciones de entrevistas realizadas para una investigación etnográfica sobre las dinámicas amorosas de mujeres trans y travestis en la ciudad de Mar del Plata. El artículo propone pensar que existe un significativo cambio en las formas de autonombrarse, pero que ambas categorías ya nombradas coexisten y son usadas de manera estratégica para reivindicar luchas políticas y experiencias de vidas específicas.

Lo queer contra el género

2025-11-17T18:24:11+00:00

A partir de un ejercicio autobiográfico, reflexiono sobre el impacto de los estudios queer en sus investigaciones estéticas, pasando revista a las transformaciones que sufrió ese campo en las últimas tres décadas y precisando puntos de diálogo, y de conflicto, con la crítica cultural en Brasil e en América Latina.

“Aunque me parece que venía del mar” Impresiones sobre la película “Sin techo ni Ley”

2025-11-17T18:24:11+00:00

En el presente escrito se analiza la película “Sin techo ni Ley” (1985) de la cineasta Agnes Vardá desde un lente feminista y enfoque desde el Trabajo Social Crítico que permitrá acercarnos a la historia de vida de Mona mediante la intersección de las variables de género, clase, violencias, entre otras. La historia de Mona no es ajena a la realidad que muchas feminidades atraviesan en la sociedad. Una historia donde el desamparo, la soledad y el deseo de vivir queriendo ser libre, tiene su costo. Agnes Vardá nos invita a adentrarnos en esta historia como quien tiene el deseo de sumergirse al mar por primera vez.

Un Juego propio: La revolución también se lleva en los botines

2025-11-17T18:24:11+00:00

¿El fútbol femenino es un espacio de lucha feminista? ¿El fútbol es político? ¿Cuál es la revolución que el fútbol femenino y feminista lleva en los botines? Estas son las preguntas que la película documental Un juego propio dirigida por Julia Martínez Heimann y Natalia Laclau, me despiertan. Por lo tanto, será a partir de ellas que se iniciará este trabajo de reflexión, tomando como ejes algunos de los temas que la película recorre: el feminismo, los cuerpos, el fútbol y el deseo. El foco estará puesto en la relación que la película establece entre el reclamo por un fútbol femenino y feminista y las luchas del movimiento feminista en Argentina, tomando como eje la cuestión del ejercicio de la soberanía del cuerpo femenino y disidente.

La memoria que sostiene la búsqueda de Martina

2025-11-17T18:24:11+00:00

La búsqueda de Martina, dirigida por Márcia Faria, retrata la memoria y la lucha de una mujer mayor atravesada por el Alzheimer y por la ausencia de su hija y su nieto, víctimas de la dictadura argentina. La reseña analiza cómo, a través de Martina y sus compañeras, la película muestra la manera en que la memoria individual se enlaza con la colectiva y cómo la amistad se convierte en sostén político-afectivo frente al olvido. Autoras como bell hooks, Ludmila da Silva Catela y Elizabeth Jelin permiten pensar cómo el amor, la obstinación y la construcción social de la memoria se hacen visibles en la trama fílmica, mientras que el manifiesto A nuestras amigas aporta la idea de la amistad como compromiso de no abandonar a la otra incluso en medio de la catástrofe. En este marco, Martina, acompañada por sus amigas, enfrenta el deterioro de la memoria sin abandonar la búsqueda de Ignacio, el nieto nacido en cautiverio, mostrando que la fragilidad puede transformarse en resiliencia compartida, donde el cuidado y la amistad se vuelven fuerza política y archivo vivo.

Vivir entre las fronteras: 20.000 especies de abejas.

2025-11-17T18:24:11+00:00

En la última década, las historias de niñeces trans se fueron haciendo un lugar en la industria cinematográfica. “20.000 especies de abejas" es una historia que se desarrolla en el verano de España. Coco es un niñe que aún está en búsqueda de su verdadera identidad. En aquel verano, de la mano de su tía Lourdes, irá descubriendo y aceptando, junto a su familia, su verdadero sentir. Autoras como Gloria Anzaldúa, Gina Valdéz, Adrienne Rich y Gavrila Canela nos proponen reflexiones sobre las identidades, el migrar, la enunciación del ‘yo’ y los puentes que trazamos a través de nuestras propias culturas y afectos. “20.000 especies de abejas”, busca narrar esos puentes que oscilan entre el diálogo, los rituales y la mitología, en una historia que comienza con la búsqueda de Coco de su identidad y finaliza con la elección de su propio nombre.

El héroe no entra en estos ojos: narrar desde el desborde

2025-11-17T18:24:12+00:00

El presente ensayo propone un acercamiento al mediometraje Le pupilla (Alice Rohrwacher, 2022) a través de una mirada movediza que destaca el gesto contrahegemónico del relato clásico. A partir de una lectura de “La teoría de la bolsa de ficción” de Úrsula K. Le Guin, el trabajo analiza cómo el film se distancia del modelo del héroe y da lugar a líneas de apertura desde la materialidad misma de la película, desde el plano sonoro, visual, lingüístico y narrativo. De este modo, la noción de relato se vacía de significados preestablecidos y se transforma en un recipiente con la capacidad de contener otras formas de nombrar, como así también de iluminar, dar voz y cargar de subjetividad a esas miradas que habían sido invisibilizadas.

El rojo en la penumbra: Cuerpos y deseo en El lugar sin límites

2025-11-17T18:24:12+00:00

El lugar sin límites (1978, México) de Arturo Ripstein es a la vez melodrama, tragedia rural y una pieza que, con los años, se volvió un registro de las vidas mariconas y transexualas1. Pasó a la Historia gracias a un beso duradero y fogoso entre dos hombres que generó un escándalo en su estreno durante el Festival de San Sebastián y se replicó en su propio país. Adaptación de la novela chilena de José Donoso, la película transcurre en un pueblo polvoriento y en decadencia, donde el prostíbulo regenteado por la Manuela (Roberto Cobo) y la Japonesita (Ana Martín) se erige como centro neurálgico del deseo clandestino y de tensiones que terminarán en un estallido de violencia. Ripstein construye el espacio desde planos generales de pátina barroca. En medio de las ruinas provocadas por la venta de todas las dependencias del pueblo, el burdel pasa de ser un refugio a una trampa. Los elementos del filme aún hoy permiten un visionado que reconozca las marcas de lo que cimenta la masculinidad y, a la vez, permiten ver una representación de la homosexualidad y la transexualidad que no las ridiculiza.

La vergüenza es ser careta. Entrevista a Goyo Anchou

2025-11-17T19:10:19+00:00

Goyo Anchou es historiador, docente y directora de cine guerrilla. Es, junto a Peter Pank, realizadora de La peli de Batato (2011), además de dirigir Safo (2003), Heterofobia (2015), El triunfo de Sodoma (2020) y ¡Homofobia! (2024)

Ópticas cruzadas: el poder de la mirada transversal

2025-11-17T18:24:12+00:00

Esta reseña-ensayo trabaja sobre Cruzando Géneros, un trabajo autoetnográfico de Fernanda Alarcón que propone una lectura sensorial, íntima y política del cine de Lucrecia Martel desde una perspectiva de género. A través del análisis de figuras simbólicas en cuatro de sus largometrajes, la autora construye un recorrido afectivo y conceptual que desafía las estructuras rígidas del análisis académico tradicional. La metodología combina el pensamiento visual, la experiencia personal y un enfoque rizomático, donde las imágenes se convierten en disparadores de reflexión crítica y las figuras proponen un modo inestable y creador de acercarse al encuentro con las películas. Las conclusiones señalan cómo el cine puede abrir nuevos umbrales de percepción, desestabilizar estereotipos y habilitar otros modos de ver, sentir y pensar lo femenino, lo monstruoso y lo político.

Camila Arbuet Osuna, El despecho y los afectos feroces: políticas feministas del desborde

2025-11-17T18:24:12+00:00

El despecho faltaba en la lista de las emociones. A diferencia del odio, el miedo, la ira o la venganza, no hay líneas de pensamiento que se ocupen de él. En gran medida, porque en el campo de los afectos parecería ocupar el lugar de la bruja del cuento que no fue invitada a la fiesta de bautismo: es una “impresentable”.

El despecho es una pasión bastante inútil. Sin embargo, sus efectos pueden llegar a ser tan devastadores como los de un tornado caribeño. Y su presencia en la cultura, en tanto que desencadenante de tragedias o móvil de melodramas, es lo suficientemente llamativa como para prender varias luces.

El despecho se vincula, mayormente, con el amor. En ese sentido, tiene una carta de ciudadanía endeble para la teoría. ¿Cómo abordarlo sin dejarse quemar? O, más bien, ¿cómo encarar su estudio sin incinerarse?

Pero, además, el despecho se caracteriza por necesitar la puesta en escena para existir. No es solo un afecto: es un gesto teatral ¿Cómo no sospechar de su carácter de mascarada? Necesita de la espectacularidad, pero se sabe de antemano condenado a la reprobación pública.

Martín Sichetti

2025-11-18T18:53:58+00:00